Инна Соловьева, «С мамой о прекрасном», в двух томах
Уже исходя из названия книг становится понятным, что они предназначены для семейного домашнего чтения, когда взрослые и дети вместе могут погрузиться в мир искусства. Эти книги представляют собой небольшие литературные эссе о разных художниках. Да, написано довольно кратко, но в этом кроются важные детали жизни и творчества человека: как задумывалась композиция, как грунтовался холст, как приходил образ и чем, например, Тициан отличается от Боттичелли.
Плюс этих книг в том, что они удивительно интеллигентны, в них есть популярная и научная информация, где художественные образы понятны, доступны и очень интересны. А еще здесь хороший подбор иллюстраций.
Выставки теперь не просто смотрят, их пытаются понять
— Подобные явления меняют. Сначала люди смотрят художников, потом пытаются понять, почему нравится один и отталкивает другой, почему «Джоконда» — шедевр, если она столь малосимпатична. Так развивается органический интерес, а он совершенно точно есть в нынешнем обществе, и продолжает увеличиваться. Мы абсолютно отчетливо это наблюдаем. Групповые экскурсии и борьба за известных экскурсоводов в музеях, огромный спрос на базовые лекции по искусству. Я встречаю людей, которые начинают с популярных, например, импрессионистов, а дальше очень серьезно изучают историю искусств, а это уже не только живопись. Поэтому да, через моду, появляется интерес, который приводит к искусству людей, совершенно ничего о нем не знающих до дня вчерашнего.
Раньше о дополнительном образовании ради знакомства с искусством вообще речи не шло. Да и нужно быть справедливыми — информации не было. Найти книги по классической истории искусств было почти невозможно, они попросту не переиздавались годами и были написаны так, что стремление узнать должно было преодолеть все девять кругов ада.
— Вы хотите сказать, что сегодня, в нашем обществе, в суете города, где под напряжением даже воздух, люди стали не просто смотреть выставки, но и пытаться понимать их? Пытаться разобраться в том, что смотрят?
Наталья Вострикова
— Социальные медиа, которые сильно определяют общественные тренды, диктуют и моду на культуру. Посмотрите, сейчас ведь никто не признается, что книгу в руки не брал с год. Но ведь обратная сторона этого – она светлая — люди делают первый шаг – идут на выставку, открывают для себя параллельный мир, о котором до вчерашнего дня просто не знали. Рождается вопрос: почему столько столетий этим кто-то занимался? Значит кому-то это было нужно? А почему не нужно мне?
Это толчок к изучению, сначала самостоятельному, дальше все зависит от желания углубляться. Саморазвитие – такой же общественный тренд.
Будем честны – без искусства прожить можно. Но до тех пор, пока его для себя не откроешь, не знаешь, что теряешь, от чего отказываешься.
Уилл Гомперц, «Непонятное искусство»
Возможно, вы удивитесь, увидев подпись «От Моне до Бэнкси», ведь первый сегодня считается классиком эпохи импрессионизма. Но импрессионизм – новое направление по сравнению с академическим искусством, протест против всего, что было «до», его не признавали на протяжении многих лет, и Моне был революционером, вождем этого направления.
Прочитав эту книгу, вы узнаете, что связывает Моне и Бэнкси, как проходили сложный путь становления разные художники, что они привносили своим творчеством в мировое искусство, почему отвергали классику и что все-таки брали из нее. Также вы сможете понять, почему это сложное искусство становится частью классики. Но, опять же, чтобы прийти к этой книге, нужно знать, что было до Моне.
Поленов и Восток
Пройдя анфиладу с пейзажными работами 1870–1880-х годов и повернув в центральные залы выставки, вы оказываетесь в пространстве, посвященном картине «Христос и грешница» и работам, связанным с ее подготовкой, — главным образом это пейзажи из путешествий Поленова на Восток в 1881–1882 годах: Константинополь, Александрия, Каир, Палестина, Сирия, Греция. «В этих пейзажах Палестины и Египта — подлинное художественно-историческое значение Поленова в русском искусстве. В восточных этюдах Верещагина больше педантической правды, но в отношении живописном первым русским ориенталистом является Поленов» — в каталоге выставки цитируются слова критика Якова Тугендхольда, написанные в связи с выставкой Поленова в 1914 году. Интересны и термин «ориентализм», и сравнение с Василием Верещагиным — действительно, оба художника оказываются близки как в живописных приемах, так и эпическом складе своих картинных циклов. Рассматривая восточные пейзажи Поленова, вы словно оказываетесь туристом, который из сумрачного слякотного российского города перенесся в ослепительно солнечные ориентальные эмпиреи и под руководством опытного гида переезжает из города в город и осматривает всевозможные архитектурные и природные достопримечательности.
Поленов и Европа
Миновав поленовские хиты при входе в экспозицию, зрители получают возможность узнать, каким образом эти хиты созрели, то есть увидеть картины, которые им предшествовали. А это работы, созданные во время пенсионерской поездки Поленова по Европе после получения золотой медали Академии художеств за «Воскрешение дочери Иаира» (которая расположена на выставке дальше от входной зоны, напротив «Христа и грешницы»). Поленов, интеллигент и потомственный дворянин (его отец был дипломатом в чине тайного советника, библиографом, историком и археологом, мать, внучка архитектора Николая Львова — детской писательницей и художницей-любительницей) одновременно с Академией художеств окончил юридический факультет Петербургского университета и настроен был серьезно: посетив Вену, Мюнхен, Венецию, Флоренцию и Неаполь и обосновавшись в Париже, он некоторое время склонялся к амплуа исторического живописца — выполненная во время пенсионерской поездки картина «Арест графини д’Этремон», посвященная травле гугенотов во времена Варфоломеевской ночи в Париже, была приобретена цесаревичем Александром Александровичем (будущим императором Александром III) и обеспечила ему в 1876 году звание академика. На выставке она расположена рядом с «Правом господина» из постоянной экспозиции Третьяковской галереи и «Цезарской забавой» из ее же запасников.
Все три картины выполнены в лучших академических традициях и вполне достойны парижских выставочных салонов того времени. Кстати, «Право господина» с сюжетом как будто специально на ярость феминисткам (знатному сеньору привели девушек накануне их свадьбы, и он выбирает, которую из них «опробовать» в постели перед первой брачной ночью) демонстрировалось в Париже на Весеннем салоне 1874 года (среди 1800 картин, отобранных по конкурсу). Это была первая картина Поленова, купленная Павлом Третьяковым. Могучий критик Владимир Стасов несколько лет спустя, когда Поленов уже поселился в Москве, пенял ему: «Москва Вам ровно ни на что не нужна, точь-в-точь, как и вся вообще Россия. У Вас склад души ничуть не русский, не только не исторический, но даже и не этнографический. Мне кажется, что Вам лучше всего жить постоянно в Париже или Германии».
Тем не менее именно в Европе Поленов «нашел себя» в качестве пейзажиста. Многие написанные им во Франции пейзажи явно созданы под обаянием художников барбизонской школы, но летом 1874 года Илья Репин, друг и однокашник Поленова по Академии художеств (Репин тоже получил золотую медаль за свое «Воскрешение дочери Иаира», и с тех пор два «Воскрешения» постоянно сравнивают) пригласил его в Вель на побережье Нормандии, где оба пенсионера с увлечением занялись этюдами на пленэре (даже написали с натуры одну и ту же лошадку для сбора галечника), и Поленов «вдруг» стал настоящим импрессионистом, с цветными тенями и открытым, свободным движением кисти.
Витторио Згарби, «Сокровища Италии» Александр Ли, «Безобразный Ренессанс»
В искусстве, как и в эстетике, есть две категории – возвышенное и земное. И то и другое нужно понимать. «Сокровища Италии» относятся к первой категории, дают возможность окунуться в пространство шедевра, понять, почему картина стала такой значимой, почему интерес к ней не угасает, что в ней спрятано.
«Безобразный Ренессанс» – это земное, обратная сторона высокого духовного мира, наполненная земными страстями: коварство, заговоры, интриги, убийства; и мир творцов и их меценатов предстает не столь благостным, а скорее жутким и трагическим. Книга расскажет, в каких условиях создавались шедевры этой великой эпохи, что за ними скрыто, как и вопреки чему творили гении
Эту сторону искусства тоже важно знать, ведь без нее не было бы тех художественных памятников, которыми мы сейчас восхищаемся
О том, как Instagram продвигает искусство
— Кто приходит на лекции? Чаще это люди, которые уже что-то знают и ориентируются или совсем несведущие?
Наталья Вострикова
— Очень разные. Совершенно разного возраста. В аудитории, на экскурсиях мы видим и девушек 25 лет, и взрослых дам, мужчин все же меньший процент.
Одни уже имеют багаж насмотренного, и он порождает множество вопросов, возникает желание понять, почему именно так, а не иначе. Почему одно следует из другого и идет в строгом согласии со структурой истории.
Бывает так, что человек видел что-то в Уффици, Прадо, Лувре, Эрмитаже или Третьяковской галерее, приходит на лекцию, особенно если она затрагивает какие-то культурные и исторические аспекты, и вдруг — у него все складывается в единую картинку. Из накопленных знаний в литературе, насмотренности в музеях и информации на лекции приходит целостное понимание эпохи, и тогда уже художники не существуют отдельно и не кажутся непонятными, их, чаще всего, не спутаешь.
Но скажу вам по секрету, даже у искусствоведов эта картинка не всегда складывается быстро. Поэтому, если это не происходит с обычным зрителем, – это абсолютно нормально.
Бывает же так, что человек попадает на модную выставку, его что-то цепляет, и он приходит с этим маленьким опытом на простую лекцию. Очень популярны в лекториях и музеях, например, лекции о тайнах картин, о том, как отличить Мане от Моне. Это самое начало пути – но это уже дорога! Это интерес, что само по себе ценно. И сегодня на этой дороге многолюдно.
— Я вижу, что за последние 4-5 лет появилось множество разных лекториев, в соцсетях огромное количество арт-клубов, онлайн-школ по искусству, аккаунтов искусствоведов и тд. Благо ли это? Как отсечь в этом изобилии не совсем качественный контент?
Наталья Вострикова
— Безусловное благо! Потому что все упомянутое – это неоспоримое свидетельство того, что есть тот самый интерес, о котором мы говорим. Был период в нашей истории, когда его не было абсолютно, и это отражение нездорового, охваченного другими заботами общества (речь о 90-х годах).
Сейчас мы стали свидетелями какого-то нового витка общественной эволюции. И остается только наблюдать, к чему это приведет. Глобальность процесса заключается в следующем – то, что всегда было доступно узкому кругу, становится доступно широкому.
Понимаете, классическое искусствоведение – это такой мирок научных статей. Есть художник и группка людей, которые вокруг него живут, которые о нем же пишут, и между собой устраивают конференции… И никто ничего не знает. Приходит человек в музей, видит картину художника Ватто, и на этом все. Хорошо, если фамилию запомнит. Когда же все идет в массу, это здорово и особенно ценно. Пусть обо всем этом больше говорят.
Разумеется, что отношение старожилов к этому всегда будет неоднозначное. Это объяснимо. Когда в вашу епархию кто-то влезает со стороны и начинает это популяризировать, и вы видите — здесь сказали не так, здесь вообще дата не та названа – конечно, возникает некая естественная ревность. Мы этим занимаемся всю жизнь, а кто-то вдруг про Бернини или Ван Гога начинает всем рассказывать, и люди слушают. Почему не слушают нас?
В процессе становления хватается и поедается любая информация, которая есть. Пусть будут все эти искусствоведческие блоги абсолютно разной направленности. Кто-то серьезен и вдумчив, кто-то с шуточками-прибауточками, кто-то с использованием сленга — у каждого своя аудитория, но она интересуется, узнает и разбирается.
Композиция подскажет, кто главный
Есть несколько способов оценить пространство картины,чтобы понять ее символику.
Построение геометрической фигуры между частями изображения
Мадонна Рафаэля вместе с папой Сикстом II и святой Варварой образует треугольник — Мадонна над ними,над миром. У Леонардо же персонажи образуют пирамиду,да и Богоматерь находится не в небесах. Как пирамида крепко стоит на земле,так и Мадонна становится ближе к людям,ближе к нашему миру.
Александр Иванов. Явление Христа народу.
ar.culture.ru.
Правило золотого сечения,или разбиение картины на трети
На пересечении линий может находиться самое важное,как на картине Александра Иванова «Явление Христа народу»: Иисус не в центре,но в самом гармоничном для него месте
Наблюдение за взглядами персонажей
Так можно понять,например,кто кого любит. Или ненавидит,как у Сурикова. Вся картина «Утро стрелецкой казни» как бы нанизана на дуэль взглядов Петра Первого и стрельца в белой рубахе.
Прочитай название
Это объяснит многое. На холсте уже не просто голая женщина в гигантской раковине,а рождение Венеры. А если изучить римские мифы,то через каждую деталь композиции можно прочитать всю историю богини.
Венера еще не знает,но из дерева в углу картины появится ее возлюбленный Адонис. Цветы вокруг вырастут из слез Венеры,когда она будет оплакивать гибель Адониса. Это пример синтеза искусств: к сюжетным картинам сложно подступиться без книги в руках.
Сальвадор Дали. Искушение Святого Антония.
Muzei-Mira.com.
Касается это и более экспериментальных работ. Сюрреалистичное нечто на картине Сальвадора Дали на самом деле показывает искушение святого Антония. Гуглим и узнаем: святой Антоний — один из первых монахов-отшельников,проведший много времени в пустыне. Во время этого он не только налагал на себя обеты,но и боролся с дьяволом,пытавшимся искусить его дурными мыслями. Это переносит картину в плоскость духовной борьбы человека,в которую Дали вложил и близкие ему образы.
Отношения персонажей
Рассматривать героев нужно в сочетании друг с другом. У Пьера-Поля Прюдона есть несколько картин с Купидоном,но не везде он положительный персонаж. На первой влюбленная пара проходит мимо завлекающей богатством девушки,но на второй любовь и плотское влечение приводят к раскаянию: посмотрите на мрачную фигуру за спинами любовников.
Правда,всегда есть риск ошибиться. Старые художники иногда рисовали в образах мифологических героев заказчиков или своих близких,и тогда трактовки сюжета в духе античности не имеют смысла.
Рафаэль. Афинаская школа.
muzei-mira.com.
Если герои картин вам незнакомы,стоит понаблюдать за их действиями и взглядами. Иногда художники пишут свои автопортреты на многофигурных картинах: Рафаэля можно найти среди персонажей «Афинской школы» по прямому взгляду на зрителя.
Всегда интересно разглядывать персонажей работ Питера Брейгеля: они буквально изображают значения нидерландских пословиц. Женщина привязывает дьявола к подушке — это означает упрямство,преодолевающее все.
Поленов и усадьбы
Дизайн экспозиции создан Алексеем Подкидышевым — в привычных для подобных выставок в Третьяковке выгородках и нефах воспроизведены очертания окон мастерской Поленова в его усадьбе Борок в Тульской губернии. Названная Аббатством мастерская была построена по проекту самого Поленова, как и главный усадебный дом, в котором он с самого начала планировал сделать общедоступный музей и картинную галерею — и сделал. А еще построил на собственные средства церковь и школу, включив в нее театральный зал, где силами окрестных крестьян ставились спектакли, к которым Поленов делал декорации и сочинял костюмы. И после революции, когда сотни усадеб по всей России были разграблены и сожжены, местные крестьяне охраняли Борок. Ныне это Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова, или просто Поленово.
Обустроившись на берегу Оки в середине 1890-х, Поленов написал здесь множество панорамных пейзажных видов в разное время года — их можно рассмотреть на выставке, а заодно и совершить воображаемое путешествие в Поленово, если вы там не бывали (или воскресить воспоминания, если бывали).
Вообще большинство российских пейзажей Поленова — будь то виды с высокого берега Ояти в усадьбе семьи Поленовых Имоченцы в Олонецкой губернии (между Петербургом и Петрозаводском), пейзажи подмосковного Абрамцева или река Ока под Тулой — объединены «домашними» ассоциациями: это то, на что он смотрел почти каждый день, а если учесть, что Поленов многое повторял или варьировал, то, любуясь его пейзажами и вновь и вновь узнавая уже виденные мотивы и очертания, вы в конце концов становитесь как бы другом дома, прогуливающимся вместе с художником по хорошо знакомым усадебным окрестностям.
В этом и состоит пленительность «Московского дворика» или «Бабушкиного сада» — в том, что вы многократно очаровывались и предавались мечтам и воспоминаниям о ваших личных пейзажных уголках, двориках или далях с рекой и высоким светлым небом, а Поленов (первый в русской пейзажной живописи, рядом с Алексеем Саврасовым с его «Грачами») все это «выговорил» и запечатлел вам на память. Необязательно знать, что на двух самых популярных картинах Поленова — одна и та же усадьба некоего корнета Баумгартена (в «Московском дворике» — торец усадебного здания, в «Бабушкином саде» — парадный фасад) и что изображенная в «Московском дворике» пятиглавая церковь Спаса на Песках с шатровой колоколенкой сохранилась до наших дней в арбатских переулках, но можно мысленно совершить путешествие во времени, предаться ностальгии и «вспомнить», как все это было в 70-е годы XIX века.
Герберт Рид, «Краткая история современной живописи»
Легко изучить эпоху, в которой был всего один стиль искусства, имеющий свою схему и отличительные черты: то же барокко растянулось на полтора столетия. А в современном искусстве одной схемы нет, и мир сходит с ума от того, как всего много, а главное – малопонятно. Если посмотреть работы любого художника эпохи модернизма, можно увидеть многогранные поиски себя как мастера: у одного Пикассо было семь этапов развития творчества.
«Краткая история современной живописи» даст вам понимание внутренних эволюционных связей, протекающих в пространстве современного искусства, расскажет, чем отличается фовизм от кубизма, что соединяет кубизм с сюрреализмом и как со всем этим соприкасаются другие «измы».
Почему селфи в музее — это важно
— Наталья, вы много лет в сфере искусства. Можно говорить, что на ваших глазах интерес к искусству и востребованность в образовании, связанного с ним, активно меняется? Что происходит и почему?
Наталья Вострикова
— Вряд ли нам удастся сформулировать свод абсолютных причин, почему так происходит, но то, что интерес сильно изменяется сейчас, это абсолютно точно. Вырос не только спрос на выставки или театральные постановки, концерты, но изменился запрос на погружение в искусство, на его понимание.
Раньше, в 90-е, когда я училась, на искусствоведа смотрели скорее с любопытством, как на диковинную зверушку. Интерес к искусству был очень опосредованный. Очередь могла выстроиться, если привозили что-то ну очень громкое, например, «Джоконду» в Пушкинский в 1981 году. Но сегодняшний день идеализировать тоже не нужно. Давайте возьмем хоть нашумевшую выставку Серова, где воодушевленная публика в один из дней снесла двери музея. Это все немножко смешно, потому что, если быть правдивыми, то из всех стоявших там, больше половины — а я предположу, что даже процентов 70% — про Серова знали только одно – «Девочка с персиками».
Люди идут на выставку, потому что это модно. Приходят сделать селфи, зачекиниться в инстаграме и сказать: «Конечно, я был на Серове».
Но через моду, прекрасно организованный пиар или даже скандал рождается любопытство – первый шаг к искусству.
Борис Клюшников
Ключевая тема: философия искусства
Если вы не знаете, как подступиться к философскому пласту искусствознания, попробуйте начать с лекций искусствоведа и философа Бориса Клюшникова. Во-первых, он 1989 года рождения и занудным априори быть не может. Во-вторых, преподаватель БВШД, Школы Родченко, института «База» и создатель лаборатории художественной критики при «Винзаводе» самые серьезные темы излагает заразительно и без тени снобизма. Слушать его одновременно стыдно и приятно. С одной стороны, как мало мы знаем и сколько времени потеряли в детстве на «Тамагочи», пока Борис, судя по всему, читал Бодрийяра и Кьеркегора, с другой стороны, как хорошо, что есть такие молодые знатоки. Примеры к сложным концепциям всегда живительны в своей злободневности: например, Siri как вместилище архетипа женщины. Из лекций Клюшникова можно почерпнуть и обширный список арт-чтения: он всегда озвучивает названия трудов, на которые ссылается. Последнюю онлайн-лекцию Бориса от 27 августа можно посмотреть на YouTube-канале Центра Вознесенского.
Поленов и евангельские сюжеты
Там же, вокруг «Христа и грешницы» и «Дочери Иаира» — картины серии «Из жизни Христа», над которой художник работал до 1909 года и которую считал чуть ли не делом всей своей жизни. В «Воскрешении дочери Иаира» Поленов фактически проиллюстрировал слова Христа «Не плачьте; она не умерла, но спит» — и показал сцену пробуждения. Вот почему всегда, когда сравнивают «Воскрешение…» Репина и Поленова, сравнение оказывается не в пользу последнего: мол, в его картине, в отличие от репинской, нет предвосхищения чуда.
Василий Поленов. Воскрешение дочери Иаира. 1871. Холст, масло. Научно-исследовательский музей Российской академии художеств, Санкт-Петербург
Но Поленов в этом отношении был последователен: «Я несказанно люблю евангельское повествование, люблю этот наивный, правдивый рассказ, люблю эту чистую и высокую этику, люблю эту необычайную человечность, которой насквозь проникнуто все учение, наконец, этот трагический, ужасный, но в то же время и грандиозный конец…». Никаких чудес: Поленов выбирает эпизоды, которые не попадают в освященные многовековой живописной традицией сюжеты (такие как Крещение, Преображение, Воскрешение Лазаря и многие другие), а оказываются «между» — он (как и в своих восточных пейзажах) словно берет зрителя за руку и в качестве гида и рассказчика ведет по маршруту странствий Иисуса: «И был там», «Исполнился премудрости», «Крестились от него», «Возвратился в Галилею в силе духа», «Поселился в Капернауме Приморском», «Решил идти в Иерусалим», «Марфа приняла его в дом свой» и так далее, причем самые травмирующие сюжеты Страстной недели дозируются очень скупо. Не пропустите здесь малоизвестную картину «Голгофа (“Стояли вдали”)» из Вятского художественного музея.
Василий Поленов. Голгофа («Стояли вдали…»). 1909. Холст, масло. Вятский художественный музей им. В.М. и А.М. Васнецовых
Ученик Поленова Егише Татевосян писал, что серию картин «Из жизни Христа» «вернее было бы назвать “Путь Христа в пейзажах”. Подход Поленова к Христу был не религиозный, а весьма реальный. Каждый эпизод ему представлялся при современной бытовой обстановке на востоке (как будто происходило теперь) без чудес, конечно, а Христос с идеальной, нравственной, совершенной силой человек. Однажды в мастерской В.Д. мне сказал: “Не знаю, как Вы себе представляете Христа. Для меня, в жизни я вижу людей с чертами добрыми, напоминающими Христа. Вот Вы, жаль, не знакомы с П.П. Чистяковым, у него такой простой нрав и такие добрые глаза”» (великий педагог Павел Чистяков был наставником Поленова в последние месяцы его учебы в Академии художеств).
Олег Ойстрах и Татьяна Ойстрах-Демидова
Искусствоведы, создатели проекта «Открытая книга мирового искусства»
– Искусство – хитрая и коварная сфера: она пускает в себя всех, но это на первый взгляд, так как понять себя дает только подготовленным зрителям. К картинам нужно идти осознанно, когда в этом есть потребность, – только так вы получите наслаждение. А потребность формирует знание, которое мы чаще всего получаем через книги, – говорит Олег Григорьевич.
– Почему книга, а не интернет? Во-первых, статьи в интернете мы часто не читаем, а просматриваем по диагонали. Книга же заставляет сесть и начать погружаться в текст, – добавляет Татьяна Леонардовна. – Во-вторых, потому что в интернете вы вряд ли быстро найдете достойную статью, в которой будет нечто большее, чем пересказ биографии художника. А хорошие книги по искусству пишут профессионалы, которые погружены в эту сферу не один день или месяц.
Искусство, в отличие от любого другого вида деятельности, о котором пишут книги, требует постоянного в нем пребывания тех, кто этим занимается. Поэтому хороших книг немного, основополагающих – тем более.
В нашей библиотеке есть книги сугубо профессиональные, искусствоведческие, но вам мы показываем те, что подойдут для чтения человеку любой профессии и возраста, у которого есть желание познать мир искусства.
Алексей Петухов
Ключевая тема: европейское искусство XIX–XX веков
Кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина регулярно курирует выставки-блокбастеры по европейскому искусству XIX–XX веков, включая «Пикассо & Хохлова», «Щукин. Биография коллекции» и «Музы Монпарнаса». Его каталоги к выставкам читать также легко, как слушать его лекции — а дает он их не только по месту постоянной работы, но и на историческом факультете ВШЭ и на радио «Маяк». Студенты любят Петухова за атмосферную и даже романтичную подачу с погружением в исторический и бытовой контекст времени. Очень насыщенный период рубежа веков в его рассказах предстает ясным и подробным, как события вчерашнего дня. Образ дополняют костюмы-тройки, коллекция галстуков-бабочек и застенчивая улыбка. Алексей Валерьевич также заведует советским разделом виртуальной библиотеки Russian Records и коллекционирует отечественные и зарубежные аудиозаписи 1900–1950-х годов, поэтому говорить с ним о музыке тоже очень интересно.
Ближайший большой проект Петухова — выставка «Братья Морозовы. Великие русские коллекционеры», которая откроется в ГМИИ в 2022 году и воссоединит собрание Ивана и Михаила Морозовых, картины из которого разделены между Пушкинским музеем и Эрмитажем. Экспозиция сначала будет показана в Fondation Louis Vuitton в Париже, потом в Пушкинском музее и будет посвящена памяти Ирины Александровны Антоновой. Новый курс лекций Алексея Валерьевича в «Мусейоне» назначен на весну: покупать абонемент на небольшой курс «Три поколения коллекционеров нового искусства 1870–1930-е» рекомендуем заранее.
Алексей Петухов
Фото предоставлено пресс-службой ГМИИ
